Geschichte

Das Design des 20. Jahrhunderts und seine Kultobjekte

Von Tom Flanagan | 11. Februar 2021


Das 20. Jahrhundert war für die Designwelt ein ereignisreiches Jahrhundert. Es gab bedeutende technische Fortschritte und zwei Weltkriege, die sowohl Wandel als auch Inspiration mit sich brachten- nur wenige Jahrhunderte waren so turbulent wie dieses. Bewegungen wie Jugendstil und Art Deco entstanden in den frühen Jahren, während der Memphis-Stil das Jahrhundert in der Postmoderne ausklingen ließ. Um sich den unzähligen Stilen dieser Epoche zu nähern, holen wir uns die Expertise von unseren Designexperten und werfen einen detaillierteren Blick auf die fünf bedeutendsten Designbewegungen des 20. Jahrhunderts mit ihren charakteristischen Designobjekten.


Jugendstil


Völlig zurecht steht der Jugendstil für einen Umbruch, denn das Wesen des Jugendstil war eine drastische Abkehr von dem Bisherigen. Entstanden ist der Stil um die Jahrhundertwende und ist unter verschiedenen Namen bekannt: ursprünglich als Art Nouveau aus dem Französischen, aber auch als Modern Style im Englischen. Weltweit hat diese Kunstform die verschiedensten Kunsthandwerke inspiriert, auch die Inneneinrichtung und Architektur. Das Design des Jugendstils ist kurvenreich, asymmetrisch, ließ sich von Pflanzenmotiven und organischen Formen inspirieren und konzentrierte sich oft auf dekorativ geschwungene Linien. Viele natürliche Formen und Muster wurden mit einbezogen und man orientierte sich dabei auch an Stilen wie dem Japanoismus, der in der westlichen Welt zu dieser Zeit sehr begehrt war




Die Designstücke des Jugendstils wurden zum Beispiel mit Edelsteinen, Intarsien, Silber und Glas dekoriert. Eines der ganz besonderen Möbel, die der Jugendstil hervorbrachte, ist der Bugatti-Tisch. Entworfen vom gefeierten italienischen Designer Carlo Bugatti, ist der Bugatti-Tisch ein meisterhaftes Beispiel für den Jugendstil. „Die Möbelentwürfe von Carlo Bugatti zeichnen sich durch ein extravagantes, von der maurischen Architektur inspiriertes Design aus, die durch die Verwendung exklusiver Materialien abgerundet werden", sagt Designexperte Michel Karis. „Auch dieser Tisch hat die typischen „orientalischen“ Züge, die die einstige romantische Sicht auf den Orient widerspiegeln: luxuriös, mystisch und extravagant. Bei den verwendeten Materialien und Techniken wurde an nichts gespart: exklusives Holz in verschiedenen Farben, komplett mit Zinnintarsien, montiert mit Messing und in das Holz geätzte Vogelzeichnungen. Jugendstil in seiner Reinform". 


Art Deco


Oft mit dem Jugendstil verwechselt, ist aber das komplette Gegenteil: Art Deco. Geboren auf der Internationalen Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst in Paris im Jahr 1925, zelebriert das Art Deco geometrische Muster, luxuriöse Materialien und steht für pure Dekadenz. Diese Kunstform beeinflusste die Designsprache in allen Bereichen, vor allem in der Architektur. Es ist der Stil, der wie kein anderer für die Roaring Twenties steht. Perfekte architektonische Beispiele für das Art Deco sind das Empire State Building und das American Radiator Building in New York City. 



Die Möbel des Art Deco zeichnen sich oft durch eine besondere Gewagtheit aus. Dunkle, lackierte Hölzer, verschnörkelte Details und die Verwendung von Gold oder Elfenbein waren bei dieser Art von Möbel sehr beliebt. Konsolentische, Schränke und Sideboards aus Nussbaum, Ahorn und Palisander waren beliebte Möbeltypen im Art Deco, die in jedem Raum, vor allem wegen ihrer grandiosen Größe, zum Prunkstück werden können. Aber auch die kleinen Arbeiten dieser Zeit sind zu großen Ikonen geworden. „Nehmen Sie zum Beispiel diese wunderschöne Bronzeskulptur mit dem Titel „Abundance“, die vom französischen Künstler Pierre Lenoir stammt", erzählt Marleen Deiters. „Diese Skulptur beweist, dass die Roaring Twenties und Art Deco Hand in Hand gingen. Die symmetrisch aufgebaute Darstellung stellt zwei sitzende weibliche Akte dar, die einen mit (verbotenen?) Früchten gefüllten Korb halten und eine gewisse Erotik ausstrahlen. Die 1920er Jahre schienen grenzenlos zu sein und diese Skulptur repräsentiert die Üppigkeit und das Versprechen, das das Art Deco zu erfüllen versuchte.“


Moderne


Wenn die Kunst des Designs im Art Deco und Art Nouveau für Vollgas, Prunk und Überfluss standen, dann war die Moderne eine Rückbesinnung auf die Einfachheit. Sie war eine Kunstbewegung, die sich der Zweckmäßigkeit und dem Fluss der Zeit verschrieben hatte. Der Architekt Louis Sullivan prägte 1896 den Begriff „Form follows Function", der später zum Grundprinzip für einen der populärsten Stile des 20. Jahrhunderts wurde. Klare Linien, Formen und Farben waren in- Schnörkel und Ornamente waren out. 




Innerhalb der dekorativen Objekte sind die Entwürfe von Carlo Scarpa sinnbildlich für die Bewegung. Interessant daran: Scarpa war ein Mann, dessen Liebe für traditionelles Handwerk und Techniken im Widerspruch zur Ablehnung der Vergangenheit durch die Moderne stand. „Scarpa war ein italienischer Architekt, der für seine Liebe zur venezianischen Glasbläserei bekannt war, und diese Battuto-Vase ist ein perfektes Beispiel für die modernistisch-avantgardistische Herangehensweise an den Werkstoff Glas. Seine Arbeit prägte die weltbekannten Entwürfe aus Murano", erklärt Fiammetta Fulchiati. „Scarpa machte die „Battuto“-Technik, die vor allem im Frankreich des 19. Jahrhunderts zum Einsatz kam, wieder modern. Er wendete diese Technik auf farbiges, transparentes Glas an, wodurch er einen visuellen Effekt und eine nie zuvor gesehene Textur erhielt. Die Battuto-Vasen von Scarpa gehören bis heute zu den ikonischsten und repräsentativsten Vasen des 20. Jahrhunderts. Die Hammerschlag-Optik ist wegen ihrer Originalität und Einzigartigkeit unter Sammlern heißbegehrt.




Jenseits von den vielen Glasarbeiten war der Corbusier-Sessel ein anderes Möbel, das wie kaum ein anderes für die Moderne steht. Entworfen von Charlotte Perriand, Pierre Jeanneret und Le Corbusier, ist er heute einer der berühmtesten Entwürfe von Le Corbusier. „Die 1928 entworfene Chaiselongue war eines der ersten Stücke, bei denen „kaltes" Stahlrohr und gebogener Stahl für ein Wohnmöbel zum Einsatz kamen", sagt Designexperte Christian Plat. „Diese Materialien wurden bis dahin meist für öffentliche Möbel in Krankenhäusern, Schulen und Cafés verwendet. Ursprünglich unter dem Namen B306 produziert, aber er wurde zu einer modernistischen Designikone, nachdem Cassina 1965 begann, eine überarbeitete Version unter dem Namen LC4 zu produzieren". 


Mid-Century Moderne


Das Design der Jahrhundertmitte hat eine Art Revival erlebt und war von einem Geschmack geleitet, der durch das zeitlose Vintage-Gefühl des skandinavischen Stils geprägt war. Der Mid-Century-Stil, der ungefähr seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs sehr beliebt wurde, vereinte die klaren Linien und den Verzicht auf starke Verzierungen, für die der Modernismus so bekannt war, mit einem verstärkten Fokus auf natürliche Materialien (wie Holz) und einer Kombination aus geometrischen und organischen Formen. 




Spricht man über den Mid-Century-Stil, dann führt kein Weg am dänischen Designer und Architekten Hans Wegner vorbei. „Wegner gilt als einer der besten Möbeldesigner des 20. Jahrhunderts", sagt Christian. „Er wird oft als der Meister der Stühle bezeichnet, von denen er im Laufe seiner Karriere etwa 500 Stück entwarf. In seinen Entwürfen versuchte Wegner sich darauf zu konzentrieren, die innere Seele von Möbelstücken durch ein einfaches und funktionales Äußeres zu zeigen. Mit seinem tiefen Respekt für das Holz und einer Neugier auf andere natürliche Materialien gelang es ihm, Objekte mit einem weichen, organischen und minimalistischen Aussehen zu entwerfen. Mit seinem organisch geformten Holzrahmen in Kombination mit hellem Leder ist der PP240 ist ein schönes Beispiel für den Mid-Century-Stil". 


Postmoderne


Die Postmoderne ist nicht leicht zu definieren und das ist gleichzeitig auch ihr absolutes Markenzeichen. Die Postmoderne ist experimentell, subversiv und warm und bildet den Kontrapunkt zum modernen Design. Sie entstand in den späten 70er Jahren und ihre Vertreter waren Künstler wie Frank Gehry und Robert Venturi. Beide versuchten stets, dem Design etwas Leben, Farbe und Menschlichkeit zurückzugeben. 




Für das Innendesign hatte der Memphis-Stil einen großen Einfluss auf die Möbel der Postmoderne. Er gilt als Unterordnung der Postmoderne und ist für kräftige Farben und humorvolle Blickwinkel bekannt. Die Palmenleuchte von Andrea Branzi charakterisiert dies gut- sie kombiniert Materialien, Formen und Launenhaftigkeit in einer verspielten Stehleuchte. „Von dieser Tischleuchte wurden insgesamt nur fünf Stück hergestellt", sagt John Bolt. „Da der Memphis-Stil ein Revival erlebt, können Sie erwarten, dass die Nachfrage nach dieser Art von postmodernen Stücken nur zunehmen wird." 



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